Bury Your Gaze Ep. 1: The Bold Type

7. Oktober 2017 von der Mädchenmannschaft
Dieser Text ist Teil 35 von 35 der Serie Die Feministische Videothek

Wir haben es in unserer Serien Top 10 angekündigt! Jetzt kommt sie, die Rezension zu…

The Bold Type

und damit die Premiere unseres Serien-Podcasts „Bury Your Gaze“. Serien-Nerds werden erkennen, dass es sich um eine Abwandlung des TV-Tropes „Bury your gays“ handelt. Während uns in 99% aller Serien Heten und deren (oft hochproblematische) Beziehungen entgegen geworfen werden, als gäbe es keinen Morgen, haben die wenigen lesbischen, bisexuellen und schwulen Charaktere kaum Überlebenschancen, geschweige denn werden sie als Hauptcharaktere oder mindestens als facettenreiche, tiefe Charaktere geschrieben, die ohne heterosexistische Klischees auskommen. Im Frühjahr 2016 führte der Tod von Lexa (The 100) und später Poussey (Orange Is The New Black) zu einem lauten „Es reicht“ unter LGBT-Fans und zu einer aufsehenerregenden Kampagne in den USA, zu der sich auch Produzen_tinnen und Drehbuch-Autor_innen von Serien äußerten und eine Konferenz ins Leben rief, die 2018 bereits in die zweite Runde geht.

Unsere Antwort: Bury your gaze! (etwa: Begrab dein Blickregime!). In unserem neuen Podcast wird es um Serien und (manchmal) Filme gehen bzw. um Aspekte, die darin vorkommen. Wir werden Serien und Charaktere vorstellen, die uns vom Hocker gehauen haben. Wir werden uns Repräsentations- und Produktionspolitiken vorknöpfen, Fankulturen und ihre transformative Kraft feiern. Kurz: All things series. Ihr habt Wünsche, womit wir uns im Laufe der nächsten Folgen beschäftigen sollten? Lieblingsserien, die mehr Aufmerksamkeit verdienen? Charaktere, die bei euch Schnappatmung auslösen? Dann ab damit in die Kommentare!

Bury Your Gaze, Ep. 1: The Bold Type

 

 

Spoilerfreier Teil:

0:00 – 22:46 – Eine kurze Liebeserklärung

  • Worum geht’s bei The Bold Type? Was macht die Serie für uns besonders?
  • Wir sprechen über Freund_innenschaft, positive Bezugnahmen von Frauen auf einander, Arbeit und was wir zu Herangehesweisen bei Konflikten lernen können.

Hemmungslos voller Spoiler:

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Hidden Figures? Schräger Schinken!

30. August 2017 von Gastautor_in
Dieser Text ist Teil 34 von 35 der Serie Die Feministische Videothek

Pasquale Virginie Rotter ist Erziehungswissenschaftlerin, Empowermenttrainerin, Performerin und Autorin. Sie lebt in Berlin und schreibt am liebsten über den Schwarzen Körper in sexistischen und rassistischen Machtverhältnissen. Pasquale fragte sich nach Hidden Figures: „Wenn wir so Kick Ass sind, warum zum Teufel sind wir eigentlich (noch) unterdrückt?“ und schluckte dabei ein, zwei Tränen.

Ja ja, die drei Protagonistinnen aus Hidden Figures sind empowernd und allet! Doch, dass Schwarze Frauen* intelligent sind, ass kicken, cool sind, schlau sind, schön sind, schlagfertig sind, Mütter sind, Style sind, Ehrgeiz sind, Überlebende sind und überhaupt – das wusste ich schon vorher. Doch das hab‘ ich nicht aus Hollywoodfilmen gelernt, sondern mir hart erarbeitet. Möglicherweise ist dieser Film für die U.S.A auf einer repräsentativen und anerkennungskulturellen Ebene ja wirklich räwolüssionär. Vielleicht. Obwohl nein, schließlich hat er ja auch jede Menge Geld eingebracht und vermutlich nicht ’nem black owned business oder Schwarzen Widerstandsbewegungen.

Auch sonst war vieles an diesem Film sehr sehr schräg. Dass alle weißen Typen blond oder zumindest dunkelblond sind, zum Beispiel. Die Uniformiertheit of the white supremacists. Außer der Böse der ersten Stunde, der hat dunkle Haare, eh klar. Oder dieser fesche Astronaut, der farbenblinde Sunnyboy der Erzählung, der die Geschichte in der er mitspielt nicht peilt und seine Rakete erst startet, wenn „the girl“ – er sagt ja explizit nicht „colored“ – nochmal die Berechnungen überprüft hat. Oder dieser Moment, als der Oberheini mit der Brille (O Kevin! my Costner. Standing by Black women* since 1992. Where would we actually be without you?), der die zentrale Heldin der Erzählung noch im letzten Moment in die Kommandozentrale reinholt, damit auch sie ein Krümelchen vom Testosteronglückskuchen bekommt, während der Phallus ins All startet. Meine Güte.

http://nalianova.tumblr.com/post/157481983301

Ich bin mir noch nicht ganz im Klaren darüber: Ist einfach die Realität die der Film beschreibt schräg? Nämlich die historische Realität der patriarchal geprägten Rassentrennung in den USA der frühen 60er Jahre und die historische Realität des kalten Krieges im All aka Space Race? Oder ist die Art und Weise, wie diese Geschichte erzählt wird einfach schräg? Ok, beides.

Die Krönung der Schrägheit jedenfalls war eindeutig die White Saviour-Szene vom Oberheini. So schräg, dass sie kippte und ich laut lachen musste. Die zentrale Heldin fühlt sich diesmal aber wirklich schlecht behandelt. Sie haut auf den Putz und der Oberheini erfährt dadurch, dass es keine „Colored Ladies“-Rooms in seinem Gebäude gibt. Oder erfährt er dadurch erst, dass es überhaupt „Colored Ladies“-Rooms in seiner Welt gibt? Nichts genaues weiß man. Wer den ganzen Tag in der NASA-Zentrale hinter Glas sitzt, dem entgeht vermutlich so einiges. Jedenfalls rastet er komplett aus und rammt vor versammelter Belegschaft inklusive Securitytypen, der natürlich nicht einzuschreiten wagt, mit einer Brechzange das ziemlich hartnäckige „Colored Ladies Room“-Schild vom Toiletteneingang. Und faselt dann irgendwas von: „Nix da, Frauenpippi ist Frauenpippi bzw. Frauenpippi hat keine Farbe. Hier gehen alle Frauen gefälligst auf dasselbe Klo.“ Meine Güte.

http://ridleydaisy.tumblr.com/post/161212293739/hidden-figures-2016-dir-theodore-melfi

Wie gesagt, ich weiß nicht, was der Film eigentlich beschreibt. Und ich interpretiere hier sowohl Inhalt als auch Form wie Kraut und Rüben. Doch augenfällig ist, wie viele wichtige Momente der Anerkennung, des Glücks, möglicherweise sogar des (trotzdem verhaltenen) Triumphs dieser Schwarzen Frauen*, vom Wohlwollen der weißen Akteure abhängt. Das war wohl auch die Realität. Doch der Film der schreit einfach nur: „O.K. passt auf, wir zeigen euch jetzt mal, wie intelligent Schwarze Frauen* sein können. Und außerdem sind wir die Größten mit den größten Raketen. Sagt Amen!“ Dem unkritischen weißen Publikum wird also gesagt: „Aaaaaaaalles gut. Puttputtputt. Es ist alles in Ordnung so wie es ist. Ihr seid die Größten mit den größten Raketen.“ Uns wird gesagt: „Ja, diese Zeit war echt beschissen. Aber hey, ohne die ganzen coolen mutigen anständigen aufrechten weißen Raketen – also ohne uns – wär sie noch beschissener gewesen. Dann hätten die Schwarzen (Frauen*) – also ihr – nämlich noch weniger zu melden gehabt, jawoll.“

http://rahfaelbarba.tumblr.com/post/149003474162/janelle-monáe-as-mary-jackson-hidden-figures

Und dann gibts noch einen dreiminütigen Auftritt eines Juden. So ziemlich der Einzige ohne Seitenscheitel. Ein Überlebender aus dem alten Europa. Der privilegierte Unterdrückte mit Herz. Ein Sympathieträger qua Biografie. Der Katalysator der Rassenspannungen. Kann man so machen, aber dann ist es halt Scheisse. Meine Güte.

Ich weiß nichts, als das was ich während des Films gesehen und währenddessen und danach gefühlt habe. Ich kenne die Drehbuchschreiber_innen nicht, ich weiß nichts über die regieführende Person oder die Produktionsfirma. Ich kenne ihre Perspektiven und ihre Intentionen nicht. Ich weiß nur, dass dieser Film unkritischen weißen Zuschauer_innen zeigt, was sie sehen wollen: Großartige Schwarze Frauen* die nur deshalb glänzen dürfen, weil sie sich vor der Kulisse weißer Selbstversicherung bewegen.

Wie gesagt, Schwarze Frauen sind Kick Ass und alles. Hirn und alles. Überleben und alles. Und klar, wenn wir uns zusammentun, when we free our minds and bodies, dann können wir die Welt aus den Angeln heben und sie richtig ‚rum wieder einsetzen. Dafür brauchen wir aber weder angewandte Mathematik noch blonde Scheitelträger. Auch keinen Gnadenakt aus Hollywood. Sondern einfach nur uns und unsere Verbindungen und unsere Geschichten und vor allem: von uns erzählt.

http://rachelmcadamses.tumblr.com/post/156565689363/the-shoulders-of-the-women-that-we-stand-on-are


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Sommer, Sonne, Serien – die Top 10 der Mädchenmannschaft

21. August 2017 von der Mädchenmannschaft
Dieser Text ist Teil 33 von 35 der Serie Die Feministische Videothek

Wir lieben Listen. Und ihr auch. Deshalb haben wir abgestimmt über unsere aktuellen Lieblingsserien. Die mit den meisten Stimmen haben es in unsere gemeinsame Top 10 geschafft. Für alle, die bei gutem Wetter lieber vor der Glotze abhängen, ihre notwendige Dosis Eskapismus am liebsten mit Bewegtbild einnehmen oder Geschichten und Figuren suchen, die die Realität leider vermissen lässt. In welche Serien habt ihr euch verliebt? Ab damit in die Kommentare, denn sharing is caring. Los geht’s, alles ist spoiler-free.

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Frauenstreik auf dem Land – Die göttliche Ordnung, ein feiner Film zum Frauenwahlrecht

3. August 2017 von Charlott
Dieser Text ist Teil 32 von 35 der Serie Die Feministische Videothek

Vroni, Nora und Theresa wollen ihre Meinungen nicht mehr verstecken

Es ist das Jahr 1971 und Nora (Marie Leuenberger) lebt mit Mann, zwei Söhnen und dem mürrischen Schwiegervater in einem kleinen Dorf in der Schweiz. Sie kann sich freuen, wenn der Schwiegervater, die Beine hebt, wenn sie staubsaugt. Regelmäßig fährt sie mit dem Fahrrad zum Hof des Schwagers, wo sie mit dessen Frau, Theresa (Rachel Braunschweig), Wäschen zusammenlegt. Theresas Tochter hingegen übt ein wenig den Aufstand: mit lauter Musik und dem mehr oder weniger heimlichen Treffen mit Jungs.

Richtig durcheinander gerät das Dorf- und Familienleben durch die Debatte rund ums Frauenwahlrecht, denn über dieses sollen demnächst die Schweizer Männer abstimmen. Nora, die feststellen muss, dass ihr Mann sie weniger unterstützt als was ihr lieb ist und ihr nicht erlaubt wieder einer Erwerbstätigkeit nachzugehen, wird plötzlich zur sichtbarsten Frauenwahl-Fürsprecherin im Ort – und bald ist sie in diesem Kampf nicht mehr allein, sondern findet u.a. in der älteren Vroni (Sibylle Brunner) und der italienischen Gastwirtin Graziella (Marta Zoffoli) begeisterte Mitstreiterinnen.

Nora tritt vor die Dorfgemeinschaft.

Die göttliche Ordnung schafft einen warmen, humorvollen Blick auf eine sich politisierende und organisierende Gruppe von Frauen, die nicht nur immer genauer ihre Probleme analysieren, sondern auch im weiblichen Zusammenhalt neue Stärke und Zuversicht finden. Dabei weist der Film auch darauf hin, dass das (fehlende) Frauenwahlrecht nicht allein das Problem ist, sondern Teil eines Gesamtsystems, in dem Männer entscheiden, ob ihre Ehefrauen arbeiten dürfen, junge Frauen weggesperrt werden, wenn sie sich außerhalb enger Normen bewegen, aber auch einige Männer an den starren Geschlechtervorstellungen zerbrechen.

Die Regisseurin und Drehbuchautorin Petra Volpe hat lange für den Film recherchiert, Archivmaterial gesichtet, mit Akteur_innen gesprochen. Als Ergebnis versucht der Film sich von allzu platten, einfachen Erzählungen zu trennen. Das klappt nicht immer, aber ist doch sehr erfolgreich, wenn als wortgewandte Gegnerin der Frauenwahlrechts-Befürworterinnen eben kein Mann auftritt, sondern Frau Dr. Wipf (Therese Affolter), die Vorsteherin des „Aktionskomitees gegen die Verpolitisierung der Frau“ und Chefin von Noras Mann. Volpe dazu: „Es waren oft sehr gebildete Frauen, Akademikerinnen, Dorfköniginnen, die sich ganz gut eingerichtet hatten, und die vielleicht einfach nicht wollten, dass ihre Köchin auch etwas zu sagen hat. Wenn man Interviews mit ihnen anschaut, kann man von einem fast schon lustvollen Unterwerfungsgestus sprechen. Eine Frau zu zeigen, die auf der Seite der Gegner ist, fand ich spannender, weil es eben mehr Fragen aufwirft.“

Für Die göttliche Ordnung standen nicht nur vor der Kamera viele großartige Frauen, sondern waren auch sonst bei der Filmproduktion viele Frauen (z.B. Judith Kaufmann (Bildgestaltung), Annette Focks (Musik) und Su Erdt (Szenenbild)) beteiligt – in der bis heute eben männlichen dominierten Filmbranche weiterhin hervorhebenswert und auch Volpe betont, dass sie in ihrer Funktion als Regisseurin dazu beitragen kann, dass Frauen Jobs bekommen und ihnen etwas zugetraut wird. Wie schön, wenn bei einem Film, die inhaltlich repräsentierten Politiken auch in der Produktion widerspiegeln.

Ist der Film perfekt? Nein, sicher nicht (so wird beispielsweise die Italiener_innen-feindliche Einstellung vieler gezeigt, aber teils sehr einfach aufgelöst, andere Themen bleiben nur oberflächlich benannt und das Hetero-Kleinfamilien-Glück zentrales Ziel). Doch für einen unterhaltsamen, auch aufbauenden Kinoabend mit den Freund_innen passt dieser Film sehr gut – und die wunderbaren Szenen im Streikhaus der Frauen sind nicht so schnell zu vergessen.

Die göttliche Ordnung läuft ab heute in den Kinos.


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Zwischen Frauen-Wrestling, 80s-Glam und Feminismus: Schaut GLOW!

10. Juli 2017 von Charlott
Dieser Text ist Teil 31 von 35 der Serie Die Feministische Videothek

Gefühlt alle wunderbaren Serien durchgestreamt und Ihr wisst noch nicht so recht was Ihr als nächstes gucken sollt? Dann haben wir da was für Euch! Wir empfehlen: Die erste Staffel von GLOW, die seit 23. Juni bei Netflix on air ist und direkt unsere Herzen erobert hat.

Worum geht`s? Darum: In den 1980ern wird eine Gruppe von erfolglosen Schauspielerinnen und Außenseiterinnen für ein neues Fernsehformat gecastet – und zwar für eine Frauen-Wrestling-Show. Etwas, worauf die meisten der Gecasteten erstmal nicht besonders viel Lust haben – und das macht das Ganze natürlich umso unterhaltsamer. „Sie wrestlen mit weiblichen Stereotypen!“, versucht der etwas abgehalfterte Filmemacher Sam das Konzept zu verkaufen. Und dann kommt aber alles immer wieder ganz anders. (mehr …)


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Wonder Woman zeigt, dass es für Erfolg noch immer Typen braucht

2. Juli 2017 von Nadine
Dieser Text ist Teil 30 von 35 der Serie Die Feministische Videothek

 

http://waverlyyearp.tumblr.com/post/161438365107/summary-of-the-wonder-woman-movie

Wonder Woman ist eine Revolution. Soviel sei schon mal gesagt, bevor ich dann doch wieder Feminist Killjoy spielen muss. Regisseurin Patty Jenkins hat etwas Außerordentliches mit diesem Film geschaffen. 12 Jahre kämpfte sie darum, den Film machen zu können, bis man ihr 150 Mio. Dollar in die Hand drückte und sagte: You go girl (ein vergleichsweise geringes Budget zu ähnlichen Filmen). Anstelle von Joss Whedon, dem Buffy-Erfinder, dessen Wonder Woman Script vor ein paar Wochen geleakt wurde. Hätte Whedon den Film wie geplant gemacht, es wäre ein sexistisches Höllenszenario geworden.

Patty Jenkins‘ Wonder Woman ist der bisher teuerste Film, bei dem eine Frau Regie führte und schon stellte mann(!) in Frage, ob das nicht ein zu hohes Risiko sei. Es ist zugleich der erfolgreichste Film, bei dem eine Frau Regie führte (case closed). Patty Jenkins‘ Wonder Woman hat damit Fifty Shades of Grey den Rang abgelaufen und allein deshalb ist Wonder Woman eine Revolution. Innerhalb seiner Genres und Franchises rangiert WW auf den vordersten Plätzen, Tendenz steigend, weil WW noch etliche Wochen in den Kinos laufen wird. Die bekannten Filmkritik-Portale Metacritic und Rotten Tomatoes zählen WW zu den besten Superheld_innen-Filmen aller Zeiten. Beifall gab’s auch aus Hollywood: Etliche Schauspielerinnen, darunter Viola Davis, Jessica Chastain und Lupita Nyong’o sowie Lynda Carter, die Wonder Woman in den 70ern für’s Fernsehen spielte, haben den Film im Zuge seiner Premierenfeier in höchsten Tönen gelobt.

Der Erfolg des Films zeigt, wie sehnsüchtig ein Superheldinnen-Film erwartet wurde, wie wichtig Repräsentation auf Bildschirmen und Kinoleinwänden nach wie vor ist. Der Erfolg ist wichtig, damit wir auch in Zukunft Regisseurinnen, Drehbuchautorinnen, Produzentinnen mitbekommen, die andere Zielgruppen im Blick haben und nicht durch ihren white male gaze Frauencharakter zeichnen und shooten.

Der Erfolg des Films steht jedoch auch für einen anderen Aspekt im Film- und Fernsehbusiness: Dass stets ein gewisser Grad an Typenzentrierung und Heterosexualisierung nicht unterschritten werden darf, um gefällig für „alle“ zu sein. WW fällt durch den Bechdel-Test: Der Konflikt zwischen Zeus und Ares und dessen Folgen ist bestimmendes Gesprächsthema, daran ändern auch die kritischen bis abfälligen Bemerkungen der Protagonistinnen über Götter mit Allmachtsfantasien und Männer im Allgemeinen nichts. Und wenn es nicht gerade um griechische Mythologie und damit den Background von Amazonen und Halbgöttin Diana geht, ist General Ludendorff und sein hoffentlich baldiger Tod gern gesehen. Nun würde ich da sicherlich auch zwei Augen zudrücken, weil ich der Idee von gewalttätigen und bewaffneten Frauen gegen Typen im Kampf für Gerechtigkeit immer viel abgewinnen kann, doch unverzeihlich bleibt leider die Geschichte von Diana und Steve im Verlauf der Handlung.

Obwohl es kein Geheimnis ist, dass Wonder Woman (Comic und Superheldin) sehr viele queere Bezüge hat, werden diese im Film in der Storyline von Diana und Steve leider nach hinten gestellt. Die Liebesgeschichte der beiden wirkt unnötig, konstruiert und wenig emotional touchy. Warum sollte sich Diana, die ihr Leben bisher nur mit Frauen verbracht hat, Typen für „unnötig für sexuelle Befriedigung“ hält und auch sonst wenig Interesse an Liebesbeziehungen zeigt, sich in wenigen Tagen in einen Typen verlieben? Und zwar so tiefgreifend, dass sie seinen Tod mehr betrauert als den ihrer geliebten Tante, Kriegerin und Generälin des Amazonenheers Antiope? Mehr noch wird Steves Tod als Vehikel für ihr „Coming Out“ als menschheitsrettende Superheldin genutzt. Als Sidekick bekommt Steve im Gegensatz zu Superhelden und ihren Romantic Love Interests wesentlich mehr Screentime und eine eigene Story, die des heldenhaften Märtyrers. Immerhin mussten wir keinen Hetensex sehen (gute Entscheidung Patty) und lediglich ein „I love you“ und einen Kuss ertragen, der noch nicht mal ein anständiges CloseUp bekam (gute Entscheidung Patty), doch die Message war klar.

Auch glänzt der Film leider nicht durch ausgereiften Antagonismus: Ludendorff und Ares bleiben unterkomplex und farblos, Diana klatscht binnen weniger Sekunden alles weg, was ihr im Weg steht, sorgt quasi im Alleingang für das Ende des 1. Weltkriegs und ihr Halbbruder Ares, immerhin der Kriegsgott, sieht keine Sonne im Zweikampf. Schön für das Auge und das warme Gefühl in Herz- und Bauchgegend, weniger vorteilhaft für die philosophische Tiefe des Films: Ist die Menschheit es trotz ihrer Gewaltgeschichte wert, gerettet zu werden? Und wenn ja, warum?

Anders als das Missy Magazine sehe ich die Darstellung von Dianas Charakter als großen Gewinn für den Film. Ihre Unverblümtheit und ihr unbändiger Idealismus sind ihre größten Stärken. Ich weiß nicht, warum Frauen in anderen Frauen stets die Harten, Rationalen und Analytischen sehen wollen, wenn es um Macht und Stärke geht und andere Charakterzüge als Zeichen von Schwäche oder Unterlegenheit deuten. Ich erlebe in meinem Alltag und in der Popkultur, die ich konsumiere, sehr vielfältige Frauen, die mir immer wieder zeigen, dass ihr Wesen oder ihr Charakter nichts damit zu tun hat, wie intelligent, autonom, stark und selbstbewusst sie sind. Wenn das kein Empowerment sein soll

Noch in diesem Jahr werden wir Wonder Woman in einer nächsten Comic-Adaption bewundern können: Justice League. Justice League wurde bereits vor der Premiere von WW umgeschnitten, einige Szenen mit Gal Gadot nachgedreht, damit WW mehr Screentime als zuvor geplant erhält. Und Patty Jenkins soll bereits eine Zusage für den zweiten Teil von WW erhalten haben. Wer nicht so lange warten kann: Wynonna Earp, Jessica Jones, Kara Zor-El (Supergirl) und Peggy Carter (Agent Carter) sind eure Seriensuperfreundinnen.

Bonus und Grüße an Accalmie, Charlott und Magda (die mit mir im Kino saßen):

http://dcfilms.tumblr.com/post/161665584341/patty-jenkins-worked-really-hard-with-her-team-to

http://wonderswoman.tumblr.com/post/161655983859


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Superstraight oder Supergay? Das Heterosexismus-Problem bei Supergirl und die Antworten ihrer queeren Fans

10. April 2017 von Nadine
Dieser Text ist Teil 29 von 35 der Serie Die Feministische Videothek

Es hätte so schön werden können: Feministische Botschaften mit einer gesunden Portion Selbstironie, Calista Flockheart aka Ally McBeal aka Cat Grant aka knallharte Chefin eines Medienimperiums und Mentorin der Hauptfigur Kara Danvers / Zor-El, Kara und ihre Schwester Alex im Orphan-Black-Sestra-Style und okaye Typen, die zumeist in der Friendzone von Kara ihr Zuhause fanden. Die Screentime gehörte in Staffel 1 den Frauen in Supergirl, die jeweils auf ihre Weise ass-kicking durchs Universum und National City streiften. Das alte Spiel von Gut vs. Böse bekam hin und wieder einen feministischen Twist, weil Kara sich weigerte, auf das Bitchfight-Pferd aufzuspringen und lieber nach Verbindungen zu ihren Widersacherinnen suchte, als in den frauenverachtenden Sonnenuntergang zu reiten.

Da die Darstellung von Beziehungen und romantischen Dynamiken zwischen Figuren als Vehikel genutzt werden, um Charaktere aufzubauen, wird das gemeine queere Serienhirn nicht selten gequält mit ausufernden hohlhetigen Liebesgeschichten, jeder Menge sexistischer Metaphern und Darstellungen und obendrein Note 6 im Bechdel-Text. Nicht so Supergirl. Die Hauptbeziehung in Staffel 1 war die zwischen Kara und ihrer älteren Adoptivschwester Alex Danvers, gefolgt von Cat Grant. Trotz der Folge 1-Positionierung von Kara „I’m not gay!“ Danvers wird die Coming-Out-Story von Kara als Supergirl mit ähnlichen Dynamiken und Metaphern erzählt. Kackscheiße? Äpfel mit Birnen? Naahh, so what! Dachte ich mir und akzeptierte die stellenweise Gleichsetzung von Superkräften mit Queerness #thisiswhatqueerreadinglookslike.

Ein Teil der queeren Supergirl-Fanbase stürzte sich frisch verliebt in homoerotische Lesarten der Dynamiken zwischen Cat und Kara und Kara und Lucy Lane, der Schwester von Lois. #Supercat und #Superlane ölten unsere von Heteronormativität und Typen-Bezogenheit im Fernsehen ausgetrockneten Kehlen mit Sätzen wie diesen:

Und Alex – ich sprenge dein Gaydar – Danvers? Abgesehen von Pseudo-Flirts mit Machoboy Nr. 1 war allen Zuschauer_innen mit Herz und Verstand klar, dass in Staffel 2 My Big Fat Gay Wedding ansteht. Alex‘ herzerwärmende Coming-Out Geschichte und ihre Beziehung zu Polizistin Maggie Sawyer (#Sanvers) verzückt seitdem die Fangemeinde. Doch was wären lesbische Storylines im TV ohne ihren hetero_sexistischen Dämpfer: Supergirl wechselte vor Ausstrahlung ihrer 2. Staffel zum Sender CW, der mit Arrow, The Flash und Legends of Tomorrow typenzentrierte Serien-Adaptionen aus dem Hause DC beheimatet. Im vergangenen Jahr killten die CW-Drehbuchautor_innen mehrere queere Figuren in ihren Serien #lexasideeye oder hielten sie dauerhaft im heterosexistischen Klischee-Eckchen gefangen. Feministische Serienjunkies prophezeiten, dass große Erwartungen auf große Enttäuschungen treffen werden. Supergirl scheint es nicht anders zu gehen.

Zu Beginn von Staffel 2 verlässt Cat Grant The Ship of All Shippings, Lucy, die eigentlich das Alien-Abwehr-und-Surveillance-Department DEO mitführen sollte, scheint in der Phantomzone zu schlummern und Kara verlässt ihre Beziehung zu James Olsen, bevor sie überhaupt angefangen hatte. Im Übrigen nicht das einzige rassistische Repräsentationsproblem bei Supergirl: Maggie Saywer, die in Supergirl als Latina positioniert ist, wird von einer weißen gespielt (die wiederum eine Beziehung mit Casey Rapey Affleck führt). Mon-El, ein Alien in white male supremacy Gestalt und Sklavenhalter-Prinz, wird ohne Storyline direkt in eine Hauptrolle katapultiert. Kara , die sonst mit Autonomität und Solidarität zu Frauen glänzte, schwimmt in Staffel 2 fast nur noch in Mon-El-Tears . Winn und James gründen ihren eigenen Helden-Bro-Club, während das fierce Schwesternduo von ihren jeweiligen Beziehungs-Issues lamentiert und nur noch selten im Bae-Modus unterwegs ist.

Frauen, Lesben und Trans* scheinen für CW nicht zur bevorzugten Zielgruppe zu gehören, doch der Sender hat seine Rechnung ohne Lena Luthor, Schwester von Supermans Alltime-Widersacher Lex Luthor und CEO von L-Corp, und den (queeren) Fans der Serie gemacht. Offensichtlich als shady femme fatale angelegt, bei der sexualisierte und romantische Anspielungen in Richtung anderer Frauen oft nur heterosexistisches Mittel zum Zweck sind, gibt’s von Lena Luthor ausschließlich Commitment, Mund-Offen-Bemerkungen und jede Menge Blumen für Kara Zor-El. Und Kara?

Gal Pals, Bezzie Mates oder doch #supergay? Jedenfalls füllt Supercorp-Fanfiction die Bibliotheken des Vatikan, das Internet explodiert in Supercorp-Gif-Partys und Flame Wars mit Kara/Mon-El-Fans. Hier wird jedoch nicht nur widerständig gegen Heten aus der Hölle geshipped, die meisten Fans der Serie kritisieren die Richtungswechsel zugunsten eines straight male Gaze, der Mon-El in fast jeder Folge die reifen Bingo-Kärtchen vom Gewaltbeziehungs- und Male-Entitlement-Baum pflücken lässt. Es ist ja bekannt, dass Autor_innen, Darsteller_innen und Produzent_innen durchaus Perspektiven und Meinungen von Fans berücksichtigen. So hoffentlich auch für die dritte Staffel, die noch diesen Herbst an den Start gehen soll und in der Lena Luthor eine Hauptrolle erhält.

Zum süßen Abschluss noch diese Video-Edits, die zum Niederknien sind. Vor Lachen. Ich liebe das Internet. Und queere Serienfans.


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Für die Glotze: Die besten Filme zum internationalen Frauenkampftag

7. März 2017 von Nadia
Dieser Text ist Teil 28 von 35 der Serie Die Feministische Videothek

Für heute, für morgen, für Stubenhocker_innen und Streikende und/oder für nach der Demo: Hier die Filmtipps für den internationalen Frauenkampftag!

1. Der Hexenclub (The Craft)

Kult-Klassiker aus dem Jahr 1996, der aber auch ordentlich auf die Mütze bekommen hat (und über den bis heute gestritten wird ob er nun feministisch ist oder nicht). Ich sage: Must see, love Nancy.

Verfügbar auf: Netflix

2. Kaffee. Milch und Zucker (Boys on the Side)

Roadmovie mit Whoopi Goldberg, Drew Barrymore und Mary-Louise Parker und einer der ersten wenigen Filme die ich als Teenie sah, in dem Freundinnenschaft höher bewertet wurde als Heten-Romanzenkram. Ein Evergreen für den internationalen Frauenkampftag. Taschentuchempfehlung.

3. Die unbarmherzigen Schwestern (The Magdalene Sisters)

Ein Film, der im Irland der 1960er Jahre spielt: Drei junge Frauen leben in einem so genannten „Magdalenenheim“ und ihre Geschichten geben Einblick in eine erzkatholische, restriktive Gesellschaft. Harter Tobak mit tollen Schauspielerinnen, nichts für schwache Nerven. (mehr …)


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Rache an den Jägern und bräsigen Männlichkeitsvorstellungen – Ein blutig-feministisches Märchen

14. Februar 2017 von Charlott
Dieser Text ist Teil 27 von 35 der Serie Die Feministische Videothek

Immer wieder hallen Schüsse durch den Wald. Aufgescheuchtes Wild rennt zwischen Bäumen durch die hügelige Landschaft: Rehe, Dachse, Wildschweine, Füchse. Die Tiere – mal aufgeschreckt, mal unheimlich starrend, mal gequält, mal in sich ruhend, mal korpulierend – sind fast so wichtige Darsteller_innen wie die ihnen an die Seite gestellten Menschen in Agnieszka Hollands aktuellem Film Pokot (Spoor), der derzeitig auf der Berlinale im Wettbewerb läuft.

In diesem Film, der sich als eine Mischung aus Krimi, Thriller, Märchen und hintersinnige Komödie darstellt, lebt die eigensinnige Duszejko (herausragend gespielt von Agnieszka Mandat), pensionierte Brückenbauingenieurin, die nun Englischunterricht in einer Schule gibt, in einem kleinen Ort im polnisch-tschechischen Grenzgebiet. Die Kinder lieben sie, ansonsten eckt die passionierte Tierschützerin und Astrologie-Überzeugte in dem von Jagd und Kirche dominierten Ort an. Duszejko, die es hasst bei ihrem Vornamen genannt zu werden, scheint ihre engsten Vertrauten in ihren beiden Hündinnen zu haben und gerade diese sind plötzlich verschwunden und tauchen nie wieder auf. Einige Zeit später entdecken Duszejko und Matoga, einer der wenigen (menschlichen) Freund_innen, die Duszejko hat, dass ein Nachbar tot ist. Wiederholt hatte zuvor Duszejko versucht gerade diesen Nachbarn wegen Wilderei anzuzeigen. Sein Tod ist der erste in einer Reihe von gewaltvollen Toden. Die (ausschließlich männlichen) Toten eint, dass sie passionierte Jäger waren und dass sie herausragende Stellungen in der Gemeinschaft inne hatten. An den Tatorten finden sich Tierspuren. Duszejko stellt die These auf: Hier rächt sich endlich das Tierreich!

So leicht wäre es gewesen, einen Film zu drehen, in dem das Publikum über Duszejko lacht. Doch stattdessen stellt sich der Film ganz auf die Seite seiner Protagonistin. Nicht sie scheint seltsam, sondern ihr jagdbesessenes Umfeld, in dem der Kinderchor in der Kirche über erlegte Rehe singt. Die jagenden Männer sind häufig korrupt und auch in andere Gewaltformen verstrickt, vom Polizeichef, über den Bürgermeister hin zum Fuchsfarm-Besitzer, der in seinem Haus zu dem ein illegales Casino und Bordell führt. Wenn der Dorf-Pfarrer Duszejko einen Vortrag hält, dass Gott den Menschen eben über Tiere gestellt habe, geht die Kamera ganz nah heran bis nur noch sein Mund die Leinwand füllt.

Duszejko ist nicht die einzige Figur, die sich nicht einpasst in diese kleine Welt: Eine junge Frau, die sie nur „Gute Nachrichten“ nennt, arbeitet für den Pelz-Produzenten, dies aber nur notgedrungen. Sie kann den Ort nicht verlassen, da sie um das Sorgerecht für ihren kleinen Bruder kämpft, der aus dem gewaltvollen Elternhaus in Kinderheim gebracht wurde. Matoga, der gute Freund, der vielleicht auch mehr für Duszejko empfindet, muss mit einer ganzen Reihe von Verlusten und einer komplizierten Familiengeschichte umgehen. Auch im Gefängnis hat er mal gesessen. Und dann sind da noch der tschechische Insektenforscher, der eine Sommeraffaire mit Duszejko eingeht und ein junger Mann, Dyzio, der für die Stadt arbeitet, aber Angst hat seinen Job zu verlieren, wenn bekannt wird, dass er mit regelmäßigen Krampfanfällen lebt.

(Ab hier Spoiler)

Prokot ist nicht nur in beeindruckenden Bildern gefilmt, sondern zeigt Außenseiter, die die Normen patriarchaler, *istischer Ordnungen in Frage stellen. Duszejko ist nicht nur Vegetarierin und eine ältere Frau mit Agency, sie wird auch als begehrenswert dargestellt, hat Sex hat und weiß es durchaus für sich auszunutzen, dass sie als die alte, schrullige Frau wegkategorisiert wird. Matoga passt auf der Oberfläche sehr viel besser in dieses Dorf, doch wenn er zwischen all den anderen Jägern in seiner bunten Kochschürze steht und später Duszejko auf einen Kostümball begleitet – er als Rotkäppchen, sie als Wolf, wird die starre, toxische Maskulinität der meisten anderen anwesenden Männer im Kontrast noch deutlicher. Das – häufig vollkommen sinnlose – Töten der Tiere und die Zerstörung der Umwelt inszeniert Holland nicht ausschließlich als eine Kritik an diesen konkreten Phänomenen, sondern lässt es darüberhinaus metonymisch einstehen für einen gesellschaftlichen Umgang mit dem vermeintlich Schwächeren und Anderen. Immer wieder wird deutlich, dass die im Ort von den Männern glorifizierte Jagd nur ein Teil der erdrückenden Gewalt ist.

Wenn Duszejko im Wolfskostüm zur Party fährt – ihr Wagen voller verdächtiger Dinge, bestätigt sich ein Verdacht, der sich nach und nach im Film einschleicht: Die Mörderin ist im Wolfspelz unterwegs, aber ganz und gar menschlich. Zu dieser Erkenntnis kommen nicht nur die Zuschauer_innen, sondern auch Matoga, „Gute Nachrichten“ und Dyzio. Die drei konfrontieren Duszejko just in dem Moment, in dem der (feministisch-traditionell auch als phallisch gelesen) Kirchturm brennt und die Polizei auf dem Weg zu ihrem Haus ist.

Und warum wird der Film auch als Märchen beschrieben? Sicher wegen der Stimmung, doch auch das Ende ist märchenhaft, denn weder lassen ihre Freund_innen Duszejko hängen noch wird sie von der Polizei überführt. Stattdessen gelingt ihr Dank die abenteuerliche Flucht aus dem Dorf und am Ende, da steht die Utopie. Im Haus des Insektenforschers (der den Ort vor allen anderen verlassen hatte, da seine Forschungen beendet waren) kommen sie alle am Mittagstisch im sonnendurchfluteten Esszimmer zusammen: Duszejko, der Forscher, Magota, „Gute Nachrichten“, ihr kleiner Bruder und Dyzio. Aufgetischt wird vegetarisch. Magota dekoriert den Tisch mit Kräutern und Blüten. Denn auch wenn Duszejko immer wieder im Film vorgeworfen wird, dass sie Tiere über die Menschen stelle, so ist es doch diese Wahlfamilie, die sich um ihren vielschichten Widerstand herum gebildet hat.

Agnieszka Hollands Film ist nicht ohne seine Schwächen, so werden Dyzios Anfälle voyeuristisch, dramatisch inszeniert. Doch Holland erzählt, auf Grundlage des Romans „Der Gesang der Fledermäuse“ von Olga Tokarczuk, eine Revanche-Geschichte mit romantischem Happy-End. Und manchmal braucht es vielleicht genau das.


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Who you gonna call? GHOSTBUSTERS!

12. August 2016 von Magda
Dieser Text ist Teil 26 von 35 der Serie Die Feministische Videothek

Zu meinen Kindheitserinnerungen gehört der grün-klebrige Schleim der Ghostbusters. Hilfreich dabei war wahrscheinlich auch der gleichnamige Hit von Ray Parker, Jr., der auch heute noch Glücksgefühle in mir auslöst. Deshalb habe ich mich riesig gefreut, als ich hörte, dass in diesem Jahr ein Remake erscheinen soll. Und bitte festhalten, denn dieses Mal soll es nicht vier Helden, sondern vier Heldinnen geben. Das hat ziemlich viele Leute (hust, hust, Typen) aufgeregt, weil die Kindheitserinnerungen nun anscheinend entheiligt würden. Jetzt wollen Frauen auch noch Ghostbusters sein!!!1 Was bleibt da noch übrig für die Jungs? Traurig, aber wahr: Kein anderer Trailer in der Geschichte von YouTube erhielt mehr Dislikes. Die Jungs sind sauer.

Gestern habe ich dann endlich Ghostbusters geschaut, seit über einer Woche läuft er in den deutschen Kinos. Überraschend fand ich den erstaunlich leeren Kinosaal. Wie kann es denn sein, dass so viele den Titelsong nachts um drei besoffen auswendig schmettern können – den Film also sehr wohl kennen – aber keinen Bock haben in den Remake reinzugehen? Sind weibliche Hauptfiguren für die deutschen Befindlichkeiten zu boring? Wahrscheinlich, denn der deutsche Trailer gibt der männlichen Nebenrolle eine echt große Bühne, während der englische Trailer darauf verzichtet und ausschließlich mit den vier Hauptdarstellerinnen glänzt: Kristen Wiig, Melissa McCarthy, Kate McKinnon und Leslie Jones.

Eine umfassende Rezension kann ich leider nicht bieten (dazu bin ich zu wenig Film-Nerd), aber zwei Aspekte, die ich erwähnenswert finden, möchte ich gerne anreißen: Zum einen die Rolle von Patty (gespielt von Leslie Jones) und zum anderen das queere Potential des Films. Es folgen ein paar kleinere Spoiler.

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